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Roy Nachum. cuando los eLefantes sueñan
«A primera vista, las pinturas de Roy Nachum se puede confundir fácilmente con el arte digital. Sin embargo, sus obras son en realidad pinturas al óleo sobre lienzo que se pintan de un modo que estimula al espectador a investigar más a fondo. Nachum crea sus imágenes mediante la utilización de la idea de píxeles. Cada ‘pixel’ está pintado uno por uno. El resultado final es una pintura que se reúne en una forma única. Nahum describe esto como la creación de micro mundos que se unen para formar el patrón de una sola realidad o de un sueño. Las obras son parte de sus recuerdos y sus sueños, así como la lectura binaria de elementos reales e irreales».
Roy nacido en noviembre de 1979 y criado en Jerusalén, Israel, comenzó su carrera a una edad muy joven. Desde niño amaba el arte y dado su obvio talento y la creatividad, fue recomendado para una clase de adultos, que aumentó e hizo hincapié en su potencial latente. Nachum siempre ha destacado «con su pasión por la belleza y la simplicidad en el mundo. Vendió su primer cuadro a un coleccionista de arte israelí a la edad de 16 años. Era un graduado sobresaliente de Bezalel, la academia de arte y diseño en Israel, y fue seleccionado para completar su maestría en la prestigiosa Academia de la Cooper Union de Nueva York.
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aLex daniLoff. el teatRo de la vida
Roman ZaSlonov. entRe fantásticoS teloneS
Difíciles de catalogar las pinturas de Roman Zaslonov desbordan imaginación e ingenio. Los que se atreven a etiquetarle le describen como surrealista, fantástico, neo-romántico, pero lo que transmite Roman es un mundo indiscutiblemente suyo y único.
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WiLLi KissmeR y La suavidad pRovocadoRa
T. S. Abe o el lápiz observador
Viktor Alexandrovich Lyapkalo
boRiS indRicov
A UNA DAMA MUY JOVEN, SEPARADA
En un año que has estado
casada, pechos hermosos,
amargas encontraste
las flores del matrimonio.
Y una buena mañana
la dulce libertad
elegiste impaciente,
como un escolar.
Hoy vestida de corsario
en los bares se te ve
con seis amantes por banda
-Isabel, niña Isabel-,
sobre un taburete erguida,
radiante, despeinada
por un viento sólo tuyo,
presidiendo la farra.
De quién, al fin de una noche,
no te habrás enamorado
por quererte enamorar!
Y todo me lo han contado.
¿No has aprendido, inocente,
que en tercera persona
los bellos sentimientos
son historias peligrosas?
Que la sinceridad
con que te has entregado
no la comprenden ellos,
niña Isabel. Ten cuidado.
Porque estamos en España.
Porque son uno y lo mismo
los memos de tus amantes,
el bestia de tu marido.
Jaime Gil de Viedma
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claudio bRavo
Secuencias de títulos. Un aRte de cine
Por supuesto, también admiro el cine, pero como me ocurre con muchas otras cosas, le dedico menos tiempo del que me gustaría. Hoy he tenido una sesión especial, genial, he estado frente a la gran pantalla una y otra vez, aunque nunca he llegado a ver la película.
Pero esa parte del film que nos prepara para lo que vamos a ver después, que empieza a atraparnos en los dos primeros minutos, con imágenes y música inquietantes, esa parte que llaman “cabecera”, que olvidamos una vez empezada la película, que nos dice quién ha trabajado en el proyecto y que tiene un trabajo minucioso, estudiado e inteligentemente elaborado, en algunas ocasiones merece ser visto una y otra vez.
Si os apetece hacer esto os invito a visitar «The art of the title secuence» un espacio y valioso documento dedicado a esta parte del cine tan grande y tan pequeña a la vez.
Os dejo una difícil elección como muestra en distintos estilos.
Los vídeos de Vodpod ya no están disponibles.
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nachan y el dibujo
Jean-Léon Gérôme
de UcRania
marc dubord
Lucie
John StRazza
bRian biedul
beatriz
KriS LewiS
“As I begin a painting the subject physically, emotionally and spiritually reveals itself to me. Each brushstroke speaks to the subsequent stroke, carrying out a dialogue, linking my subject and me as if we were meeting for the first time. I find this uncertainty exciting and embrace the indecisive nature of my work.” (Kris Lewis)
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la acojedora casa del tio sain
Desde que comencé con este cuaderno virtual uno de mis referentes en cuanto a estilo, contenido, educación y buen gusto ha sido y es “La Casa del Tío Saín.» Casa acojedora y entrañable, una vez que la visitas te encuentras tan cómodo y descubres tanta belleza, que se convierte casi en imprescindible. Un lugar donde sabes que si entras, vas a encontrar siempre algo nuevo que te despertará los sentidos.
Hace poco, cuando me disponía a hacer mi visita diaria, me encontré con la advertencia de blogger, de que este blog era de contenido dudoso. Pensé que me estaba equivocando de casa. Pero no. Esta plataforma, alertada por usuarios de “escaso contenido” decide “condecorarle”, imagino por albergar algunas imágenes de gran belleza y sutil erotismo, nunca pornográfico. Belleza que no todo ojo “humano” sabe apreciar.
Por supuesto, este insulto le invita a cambiarse de barrio, y así lo hace. El Tío Saín, sigue obsequiándonos con su búsqueda inagotable de lo bonico, ahora en otra plataforma hacia donde dirigimos nuestros pasos para seguir con él.
Los que tenemos el placer de conocerle un poquito, sabemos que merece la pena hacerlo.
En cuanto a sus denunciantes, les ilustro con una frase de Oscar Wilde:
“Si nosotros somos tan dados a juzgar a los demás, es debido a que temblamos por nosotros mismos”.
Pensándolo bien, creo que le han hecho un enorme favor. Ahora inicia una nueva andadura con ilusiones y energía renovadas. Bienvenido.
Ilustración Manuel Hurtado.
Nuevo blog «La casa del Tio Saín»
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mary jane ansell. pieL de teRciopeLo
sylvaine vaucher
Es difícil para mi describir la fotografía de Sylvaine Vaucher.
Acostumbrada nuestra mirada a la imagen fija y estática, los trabajos de Sylvaine nos desconciertan al principio por su movimiento, jugando con imágenes mezcladas en distintos planos.
Grandes contrastes de luz que, a veces, deforma los cuerpos con los que crea escenas irreales y abstractas, cuerpos transparentes enlazados en un baile sensual.
Sus obras son símbolo de amor, amistad, sexo, alegría, a veces miedo o desconcierto y siempre armonía con nuestro cuerpo y nuestra naturaleza, dibujando paisajes con bellos desnudos.
Quizá ella quiera describirla mejor…
«Je n’ai pas peur de la mort…J’ai peur de l’éternité. S. Vaucher»
my lady d’arvanville. cat stevens
para ella,…
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99 RoomS
No es un juego, pero puedes jugar. No es pintura, pero hay color. No hay nadie, pero hay multitud de seres. Hay quietud, pero hay movimiento. Es un edificio muerto, pero que está vivo. Un lugar silencioso, pero donde puedes escuchar sonidos espeluznantes.
El arte no tiene límites, «99 RooMs» de una nave abandonada han servido de soporte para la creación de una obra que sirve de coctelera para mezclar viejas herramientas con nuevas tecnologías, insectos repelentes con seres mitológicos y fantasmagóricos.
Un proyecto interactivo donde se combina fotografía, plástica, animación, sonido; y que despierta nuestra curiosidad además de esas ganitas de jugar que tenemos todos.
Para poder visitar, sin trampas, todas las habitaciones, hay que ir descubriendo la forma de pasar a la siguiente….te sorprenderás. Advierto que engancha!!!
Vía: fiRe
Si quieres saber algo más sobre este trabajo, búscalo tú…
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GraBaDoS X PiCaSSo _ Suite Vollard
«Por encargo del marchante de arte y editor Ambroise Vollard, Pablo Picasso realizó cien cobres grabados entre el 13 de septiembre de 1930 y marzo de 1937 que pasaron a la historia del arte bajo el nombre de «Suite Vollard», obra gráfica mundialmente conocida.
El conjunto de las 100 estampas se encuentra hoy disperso como láminas sueltas en diferentes colecciones privadas o públicas y sólo algunos de estos conjuntos se conservan unidos. La complicada historia del origen de la obra, su variedad y su diversidad temática, en la que se reúnen los estilos de elaboración más variados. Las múltiples técnicas empleadas (aguafuerte, aguatinta, punta seca y manera negra), separadas o en combinación, dan una gran variedad a la serie. Pero lo que predomina es la línea pura, tan griega y al mismo tiempo tan libre, tan graciosa y tan picassiana.
En la colección de la Suite Vollard, Picasso regenera todas sus influencias, sus delirios de grandeza, su irreprochable cultura mediterránea, su visión del bien y el mal en el minotauro desilusionado y sediento de carne humana. El artista acierta en sus contradicciones al sobrevivir con cierta holgura en la época crítica de los llamados manifiestos pseudo-pictóricos».
Con motivo de su décimo aniversario, la fundación ICO exhibe, hasta el 24 de agosto, la ‘suite vollard’ de Picasso, una de las obras cumbre del grabado del siglo XX en el mundo.
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«eL aRQuiteCto Que Se rió de HiTleR»
Neoocláisca y grande, ¡muy grande! Así debía ser la ciudad soñada por Hitler. Uno de sus edificios principales sería una sala de reuniones gigantesca con una cúpula de casi 300 metros de altura. Si se sostenía o no, o si la acústica era buena, son preguntas que no se pueden responder y que, en su momento, no debían de interesar demasiado. Además de la sala de reuniones y un gigantesco arco del triunfo para celebrar la que daban como victoria segura, Germania también tendría una larga avenida, al estilo de los Campos Elíseos pero mucho más larga, para que los desfiles militares brillasen como debían. Hitler quiso conquistar el mundo y crear un imperio que nada tuviese que envidiar al de la Roma clásica o al de Carlomagno. Una ambición de tal medida debía tener una capital a su altura.
Hans Stephan fue uno de los encargados de diseñar Germania, pero, entre plano y plano, realizó una serie de dibujos satíricos sobre el proyecto del dictador | Berlín los expone después de sesenta años.
La idea de crear una ciudad desde cero puede ser una idea tentadora para cualquier arquitecto. Sin embargo, si eso supone derribar la anterior, las cosas cambian. Stephan ironizó sobre este aspecto en muchos de sus dibujos satíricos. Los dibujos a plumilla de Stephan retratan edificios colosales, grúas amenazantes y un orden simétrico que a veces se ve interrumpido por la violencia.
Una nueva puerta de Brandenburgo con una balanza de la justicia que se inclina sospechosamente.Hitler imaginó una ciudad a la altura de sus ansias de grandeza. Berlín pasaría a convertirse en Germania, una capital del imperio con edificios de hasta 290 metros de altura. Aún así, las caricaturas de Germania, como las llamaban Stephan, no debieron llegar a los oídos del Führer ya que, teniendo en cuenta el escaso sentido del humor del nazi, es difícil que en ese caso hubiesen llegado a nuestros días.
Aunque parezca mentira, Stephan decoraba las paredes de su despacho con estos dibujos. Incluso Albert Speer, el director del proyecto y uno de los grandes hombres de Hitler, conocía su existencia y no ponía objeción. De cualquier manera, el arquitecto no pensaba sacarlas a la luz hasta que la imponente Germania no estuviese en pie, un plan para los cincuenta.
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Mucha_ARt NouVeau
Alfons Maria Mucha fue un pintor y artista decorativo checo, ampliamente reconocido por ser uno de los máximos exponentes del Art Nouveau.
Mucha produjo una gran cantidad de pinturas, pósteres, avisos e ilustraciones así como diseños para joyería, alfombras, empapelados y decorados teatrales en lo que se llegó a conocerse como el estilo Art Nouveau. Sus trabajos frecuentemente introducían mujeres jóvenes, hermosas y saludables, flotando en atuendos vagamente neoclásicos, frecuentemente rodeadas de exuberantes flores las que a veces formaban halos detrás de sus cabezas. De todos modos, Mucha intentó distanciarse de tal estilo a lo largo de su vida, insistiendo que más que adherir a cierto estilo en boga, sus pinturas se originaban en su propia inspiración.
Declaró que pensaba que el arte existía para transmitir un mensaje espiritual y nada más; de allí su frustración por la fama que logró a través de un arte básicamente comercial. Por ende siempre quiso concentrarse más en proyectos elevados que ennoblecieran el arte y su lugar de nacimiento. Mucha decoró el Teatro de Bellas Artes de Praga así como otros lugares distintivos de la ciudad, diseñó sellos postales, billetes de banco y otros documentos gubernamentales para la nueva nación.
Pero su personal estilo se difundió gracias a la gran diva de la escena Sara Bernhardt. Mucha realizó un cartel de la actriz y el estilo de lujo extremo y preciosista la sedujo. La actriz quedó tan encantada con la imagen que el pintor transmitía de ella en su obra que lo contrató en exclusividad durante 6 años.
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aRte y PaZ en las caLLes
No se sabe con seguridad si es alto, bajo, rubio, moreno, delgado, gordo, nadie conoce la identidad de este artista callejero de origen británico que utiliza el seudónimo de Bansky. Su obra es principalmente graffiti, realizada técnicamente con talento y con un contenido crítico con la sociedad, políticamente subversivo, anticapitalista, antibélico, y de una inteligencia ácida y mordaz.
Ha sido criticado por trabajar para organizaciones cobrando grandes cantidades de dinero, por lo que se le ha llegado a acusar de «vendido» por otros artistas, ya que consideraban una contradicción ir contra el sistema y a la vez formar parte de él. Pero esto le permite financiar sus proyectos, y al final actúa como crítico de un sistema del que participa y alimenta, como todos.
También es conocido por colarse disfrazado, como una especie de ladrón de guante blanco, en famosos museos de todo el mundo, para colgar algunas de sus obras de manera clandestina, parodias de obras de arte o antigüedades que logró colocar en museos sin que nadie en un principio las descubriera.
Como el de una piedra en la que aparecía pintado un cazador de la Edad de Piedra empujando un carrito de supermercado en el Museo Británico, donde se exhibió durante varios días; o exponer durante 90 minutos un muñeco inflable vestido a la manera de los presos en la cárcel (uniforme naranja, capucha negra y manos esposadas) en una de las montañas rusas de Disneylandia. Qué ocurrente!!!
Su obra también se compone de fotografías, dibujos y lienzos, acompañados de escritos agudos y subversivos, de las que se ha autopublicado varios libros.
Os cuento un poco de él… si queréis saber más…ya sabéis, a sumergirse en la red.
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una doSiS de imPResioniSmo
En Pintura siempre me ha gustado más la interpretación del pintor sobre lo que tiene ante su mirada, que simplemente la copia casi fotográfica del hiperrealismo, que aunque tiene también su valor, prefiero para ésto la Fotografía. Sin embargo, siento especial interés y admiración por los pintores impresionistas que nos dan su propia visión de lo que están plasmando, con los colores que ellos intuyen, mezclándolos en el lienzo, dándole énfaxis a las expresiones, a las luces, a las composiciones, con trazos de pinceladas que parecen casuales, pero que son calculadas y que nuestra mirada tiene después que traducir.
Giuseppe Dangelico o Pino Daeni, aunque no pertenece a la época de los grandes impresionistas, me gusta por los trazos de sus pinturas que desprenden una mezcla de sosiego, sensualidad, suavidad y frescura. Suavidad que contrasta con fuertes colores, contrastes de luz y el trazo brusco de sus pinceladas con las que remata las sutiles telas que adornan los cuerpos de las mujeres que dibuja sin cesar, en actitudes maternales, bucólicas o sensuales, pero transmitiendo siempre esa tranquilidad que creo, añoramos todos un poco.
Aquí podéis empacharos de sus obras mientras se escucha una melodía de fondo, para relajarse un ratito!!!
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RoDin_El CuerPoDesnuDo
Uno de los grandes maestros de la escultura del siglo XIX, fue Auguste Rodin, todos le conocemos principalmente por su obra de El Pensador, a más de uno nos ha tocado dibujarla o modelarla, la idea era alentadora, pero la tarea se iba complicando a la hora plasmar la expresión de esta obra. Bueno, ahí quedaba nuestro trabajo, olvidado después en algún rincón, intencionadamente…
Rodin fue más modelador que escultor, los instrumentos de su poder creador fueron sus manos y sus dedos audaces e intuitivos, llenos de energía y vitalidad.
Era un gran apasionado por explorar las posibilidades de la figura humana, modelando el cuerpo desnudo, con gran dominio de la expresión, contrastando la piedra áspera y rugosa, tallada toscamente con la piedra pulida y blanca.
No es extraño que sus desnudos fueran considerados eróticos, en el momento en que Freud estudiaba la sexualidad femenina. Modelaba del natural sin dibujo previo construyendo grupos en los que las figuras encajaban de forma natural y enrevesada al mismo tiempo. Las mujeres aparecen arrebujadas en el seno de los huecos que les dejaban los cuerpos masculinos, que se arqueaban para compensar la arquitectura cóncava de la anatomía femenina.
Con motivo de este erotismo se han recopilado una serie de trabajos 33 esculturas y 90 dibujos del artista, que con el nombre de Rodin: El cuerpo Desnudo se exponen hasta el 6 de julio, en una famosa sala de exposiciones de Madrid.
Los dibujos aparecen en torno a 1900
cuando Rodin cuenta con más de 60 años. Mediante medios muy simples, grafito y papel pequeño, el artista transcribe el contorno del cuerpo de sus modelos, mayoritariamente mujeres desnudas, sin mirar el papel, produciéndose deformaciones y errores de simetría, pero el resultado el experimento resulta especialmente erótico y original, rompiendo con la representación clásica. Posteriormente los retocará y coloreará suavemente con acuarelas con tonos terrosos que les hacen parecer cuerpos de barro.
KlímtBaLan LoLa 
